Performing Corpora: Nuovi paradigmi performativi attraverso lo sviluppo di iper-ambienti
Piero Poli, Conservatorio di Torino
Il progetto di ricerca pone l’attenzione sullo sviluppo di ambienti performativi virtuali — iper-ambienti — generati attraverso l’utilizzo di tecniche corpus-based ed esplorabili tramite l’utilizzo di sensori posti sul corpo di un performer. Svolto all’interno del percorso in Sound and Music Computing and Cultural Heritage presso il Conservatorio “Giuseppe Verdi” di Torino, il lavoro mira a definire linee guida teoriche e operative per lo sviluppo di nuove tecniche compositive che prendano in considerazione piccoli database audio e il rapporto del performer con il materiale sonoro contenuto al loro interno.
La ricerca indaga le possibilità compositive che emergono dalla distribuzione del suono nello spazio, trattando il corpus come partitura dinamica, strumento musicale ed estensione dello spazio performativo in una dimensione che può essere unicamente udita. L’ambiente virtuale è messo in relazione diretta con lo spazio performativo: sistemi di motion capture e wearable device tracciano posizione e movimento, permettendo ai performer di “attraversare” il corpus e di attivarne le unità sonore lungo traiettorie gestuali nello spazio.
L’esplorazione degli iper‑ambienti viene intesa anche come pratica per sviluppare ulteriormente le capacità cinestetiche del performer e la consapevolezza dell’ambiente che lo circonda, ponendo al centro la relazione tra percezione corporea e spazio sonoro. Il progetto si colloca all’intersezione tra composizione, design di strumenti musicali, performance e improvvisazione, mettendo in dialogo spazio scenico, opera musicale e pratica strumentale.
Trascrivere ascoltando: pratica, relazione e performance sintonica nel duo pianistico
Creusa Suardi - Conservatorio di Piacenza
Il progetto di dottorato indaga la trascrizione musicale non solo come oggetto storico, ma come pratica performativa e luogo di produzione di conoscenza. A partire da studi che definiscono la trascrizione come “ascolto scritto” (Szendy, 2008), la ricerca assume la prospettiva della performer–researcher per esplorare come l’opera musicale venga riattivata attraverso il corpo, l’ascolto e l’interazione tra interpreti.
Il lavoro prende come caso di studio le trascrizioni bachiane di Maffeo Zanon per duo pianistico — in particolare i Concerti Brandeburghesi per due pianoforti — non solo come repertorio da analizzare, ma come laboratorio in cui interrogare i processi di ascolto e riscrittura che attraversano la performance. In questa prospettiva, il duo pianistico diventa il luogo in cui una rete di ascolti — tra compositore, trascrittore e interpreti — si incarna e si negozia in tempo reale.
La ricerca si sviluppa attraverso una metodologia practice-based, in cui la pratica esecutiva costituisce uno spazio di indagine. Nel contesto del Conservatorio della Svizzera italiana (Lugano), il lavoro si è articolato a partire da una serie di “provocazioni” artistiche, che hanno orientato la ricerca verso questioni fondamentali quali il rapporto tra trascrizione e ascolto, la condivisione dello spazio corporeo nel duo pianistico e la natura relazionale dell’ascolto.
In questo contesto, l’integrazione delle Sonic Meditations (Oliveros, 2003) all’interno delle prove di duo è stata sviluppata come pratica sperimentale, finalizzata a osservare come l’ascolto influenzi la coordinazione, il gesto e la relazione tra i performer. Tali pratiche sono state affiancate da un’attenzione specifica al corpo e al movimento, anche alla luce di contributi come What a Body Can Do (Spatz, 2015) e The Mastery of Movement (Laban, 1950), che hanno contribuito a orientare l’osservazione della pratica verso una comprensione più articolata delle dinamiche embodied.
All’interno di questo quadro, il progetto introduce il concetto di performance sintonica, intesa come processo dinamico di allineamento relazionale tra esecutori, fondato su ascolto condiviso, gesto e attenzione reciproca. In tale prospettiva, la fragilità — intesa come difficoltà nel condividere spazio e intenzione musicale — non è considerata un limite, ma una condizione generativa che rende visibili le dinamiche dell’interazione e apre nuove possibilità performative.
La presentazione alternerà momenti di riflessione teorica a esempi musicali tratti dal repertorio, con l’obiettivo di mettere in relazione i concetti sviluppati con la pratica esecutiva. Attraverso la sperimentazione e la riflessione sulla pratica, il progetto mira a sviluppare strumenti per il duo pianistico, indagando il ruolo dell’ascolto relazionale e la trasformazione della fragilità in risorsa performativa, a sostegno dell’emergere di una performance sintonica.
Eredità monteverdiana: tecniche madrigalistiche in Petrassi e Dallapiccola e la loro rilevanza per la composizione contemporanea
Davide Tramontano, Conservatorio di Piacenza
Il presente progetto di dottorato indaga la persistenza e la trasformazione dei dispositivi madrigalistici della tarda produzione di Claudio Monteverdi attraverso la loro ricezione e rielaborazione nel Novecento musicale italiano, con specifica attenzione ai casi del Coro di Morti di Goffredo Petrassi e dei Canti di Prigionia di Luigi Dallapiccola. L'indagine si propone di verificare la riconfigurabilità di tali strategie espressive nella prassi compositiva contemporanea, rispondendo alla domanda centrale: in che modo la composizione odierna può reinterpretare creativamente questi elementi per collegare le pratiche seicentesche agli approcci moderni nella scrittura vocale, nell'impiego di organici strumentali ibridi e nella costruzione di coerenza drammaturgica?
Strutturato in tre parti organiche, il lavoro si articola come segue: la Parte Prima offre un’analisi storico-musicologica, esaminando i madrigali monteverdiani – Cruda Amarilli (Libro V), Misero Alceo (Libro VI), Combattimento di Tancredi e Clorinda, Lamento della Ninfa e Or che'l ciel e la terra e'l vento tace (Libro VIII) – attraverso l'analisi dei loro dispositivi espressivi e contestualizzandoli nella ricezione novecentesca; la Parte Seconda trasferisce tali eredità nel laboratorio compositivo personale, nelle fasi di scrittura, sperimentazione e analisi dei procedimenti adottati nei miei brani e culminando nell'esame dettagliato di estratti dall’opera in due atti Cronaca di un amore come sintesi drammaturgica; la Parte Terza valuta empiricamente l'impatto del lavoro attraverso analisi qualitativa riflessiva della ricezione, con interviste semi-strutturate a musicisti, critici e membri del pubblico. Dal punto di vista metodologico, il progetto adotta un approccio integrato analitico-riflessivo, che combina analisi stilistico-comparata di fonti storiche e partiture critiche, confronto tra i brani analizzati, autoriflessione sul processo creativo personale e analisi qualitativa della ricezione performativa. Gli esiti attesi comprendono un corpus di partiture originali corredate da estratti analitici, un fascicolo critico-metodologico, nonché un quadro teorico-pratico che dimostra la perdurante vitalità dei dispositivi madrigalistici.
